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《艺术哲学》经典读后感10篇

  《艺术哲学》是一本由丹纳著作,浙江人民美术出版社出版的精装图书,本书定价:78.00,页数:2017-7,读好书吧小编精心整理的一些读者的读后感,希望对大家能有帮助。

  《艺术哲学》读后感(一):从三幅《莉达》学习艺术鉴赏

  不管懂不懂艺术,对于艺术美的向往,人皆有之。同样,对鉴赏艺术美的向往,也是不需多言。然而,艺术似乎更喜欢跟人捉迷藏,它总是虚无缥缈,总是要人不断追求、不断领悟,才允许人窥得一角。刻苦追寻的,自然能偶得几分,得之多寡,全看造化;却定要有过人的天赋,才能领略更多奇妙。可遇而不可求,也许这就是艺术最大的魅力所在。

  古今中外,不世出的奇才、天才们留下诸多传世名作。后人百般观摩,反复不厌,只试图同作者的思想靠的再近一些。普通人如何去接近艺术?我想学习和引导是必不可少的。

  虽然说艺术钟情于富于创造力的大脑、善于追求新意,但从宏观上来说,艺术一定是有着一些共性的基础和内在的根源。理解艺术的共性,对于艺术的鉴赏会起到导向的作用,就如同漫步艺术世界的导游图。

  由丹纳编著、傅雷精心翻译的艺术史通论——《艺术哲学》,就是带领大家畅游艺术天地的一本导游书。丹纳在本书中不仅对美学提出科学见解,还将理论结合欧洲艺术史,讲解了艺术发展的主要潮流。《艺术哲学》是帮助人们理解和领会艺术的经典书籍,不管是艺术专业人士,还是业余爱好者,都可以从中获益。

  丹纳在书中讲解了一整套艺术的理论,他认为艺术创作与所属时代的精神风貌有着深厚的关联,时代特征会融入到作品中去。同时,艺术家个人的理想追求也会在各自的作品中凸显出来。丹纳讲解了历史上的三幅《莉达》画作,可以帮助我们感受艺术欣赏的乐趣。

  《艺术哲学》读后感(二):艺术是世界的晴雨表

  法国史学家兼评论家丹纳认为,诗歌也好,雕塑、绘画也罢,都是“模仿的艺术”,倘若忘记了正确的模仿,抛弃了活的模型,艺术也就衰落了。然而所谓的“正确的模仿”并非显而易见的师法自然。随着各种艺术流派百家争鸣,今天的普通艺术爱好者已经无法像史前人类欣赏洞穴壁画上的牛一样,自信对创作者想表达的东西心知肚明。有人痛恨艺术中的不确定性,将之视为感性的臆测,减损了赏画乐趣。这样的因噎废食未免可惜,分明有丹纳的《艺术哲学》可以化解困扰。

  理性如丹纳,在艺术中捕捉到了哲学的影子。他承认我们对艺术的评价有一定偶然性,“艺术家创作的时候只凭他个人的幻想,群众赞许的时候也只凭一时的兴趣;艺术家的创造和群众的同情都是自发的,自由的,表面上和一阵风一样变幻莫测”,但其中也有“确切的条件和固定的规律”,这是值得深入讨论的。就像天气预报能让我们对某一时间降雨的概率心中有数,虽非万无一失,但恐怕没人会质疑它存在的价值,更不会再将异常天气归咎于鬼神异兆了。

  丹纳由下至上,先梳理出艺术品的从属关系:同一个作者的作品、与该作者同时同地的艺术宗派的关系,再上一层是周围趣味一致的社会,其中的共性可以帮助我们找到艺术的规律。或许连艺术的门外汉都会有这样的疑问:艺术巨擘们为何总是集中出现在同一时期、同一地区?譬如文艺复兴三杰和身边无数不及他们闪耀、却也足以碾压后世的大师们;譬如自发形成各具特色、后无来者的印象派画家们。人类的才智和创造力往往不是平均分配,在丹纳眼里,这一切并不意外。

  一方水土养一方人,不同地区也孕育出不同的艺术,这首先跟民族的个性有关。丹纳比较拉丁民族和日耳曼民族的差异,事无巨细。从外貌和身材也可看出前者比后者更粗犷,大碗喝酒、大口吃肉的日耳曼民族跟慢享精致美食的拉丁民族生活习惯也不同,前者看似迟缓笨重,却有着严谨理智的头脑,锲而不舍、勤奋扎实;细腻敏感的拉丁民族则更注重华丽的形式,挑剔苛刻、诉诸感性。今天人们津津乐道于“德国天才”,跟他们的民族个性密不可分,也不得不看到第一流绘画的缺失:“在德国,纯粹观念的力量太弱,没有给眼睛享受的余地”。拿最负盛名的德国画家丢勒来说,令人印象深刻的是《野兔》中的逼真情态,纤毫毕现,或是《犀牛》纵使充满想象的成分,也有如教科书般的落笔谨严、不容置疑,鲜见抒发性情的潇洒热情。

  其次是时代之别。远古时期的创作材料也好,技术理论也罢,都无法与现代同日而语,可他们一样创作了具有震撼力的作品。反观摄影术普及后的世界,艺术家们似乎愈发束手束脚,无所适从了,丹纳称其为艺术家都“不够天真”,是导致16世纪后半期艺术涣散的主要原因。而令人惊艳的文艺复兴时期,真可谓达到了“绝无仅有”的平衡:“介乎中世纪与现代之间,介乎文化幼稚与文化过度发展之间,介乎赤裸裸的本能和成熟的观念世界之间。”

  社会风气之别更不可不提。艺术家首先是生于社会中的个体,衣食住行之外,还要在环境中汲取创作的养分,是无法割裂来看的。丹纳心目中产生伟大作品的两个条件常见诸各种文学、绘画理论中,即艺术家强烈的、毫无顾忌的感情表达,以及外界的推波助澜。除非像德加一样家里开银行,或者像梵高一样有个画伤上弟弟的支持,艺术家很难视不考虑温饱,视周遭观点如无物,极可能因此改弦易辙。雪上加霜的是,他们又必须在此基础上发展或坚守自己的独创性,谈何容易。丹纳替法兰德斯艺术惋惜,他们大可发挥自己的特色,与意大利双足鼎立,胜利在望时,却因取法罗马和佛罗伦萨,开始走下坡路。世人推崇的未必是适合自己的,创作和鉴赏都不应当抛开作品所处的环境想当然。

  艺术是世界的晴雨表。在技巧背后,所谓的个性、情感,恰是可理性度量的历史环境和民族精神。这又不局限于丹纳在《艺术哲学》中详细剖析的意大利和尼德兰艺术,读者亦当将互为表里的艺术和文明结合来看,由天时、地利、人和,总结不同艺术产生的规律,方可在艺术的世界里越看越开阔,不至为第一眼视觉印象掣肘。

  在“大英博物馆百物展:浓缩的世界史”中,奥杜威砍砸器、克罗伊斯金币、希伯来星盘或是无可争议的文明见证者,亚述浮雕、后宫壁画残片、丢勒的《犀牛》也有一席之地。当代艺术家菲尔·多斯·桑托斯的《母亲》令人一见难忘,那是用莫桑比克内战中废弃的武器制作的。回望过去、思索未来,艺术岂止是见仁见智的感性载体。

  ——丁酉年读丹纳《艺术哲学》

  《艺术哲学》读后感(三):学习欣赏艺术,从了解文化开始

  对于我来说,欣赏艺术作品往往只是看表面,并不懂其中内涵。只是朦朦胧胧地感觉艺术家不同于“匠”,他的价值不在于把一样东西做得有多精,而是在于创造力,而艺术品就是他创造力的体现。一直将《艺术哲学》在心中归列为晦涩难懂的教科书类,总是没有信心去读一读。直到最近受到朋友再次安利,才鼓起勇气翻开这本由丹纳所著,傅雷翻译的经典的艺术和文化著作。

  《艺术哲学》一书是由法国史学家兼文学评论家伊波利特·丹纳所著的经典文艺理论著作,内容来自于丹纳在巴黎美术学校授课时的讲稿。

  在开篇,丹纳明确表示了他研究美学的目的。他强调并不是为了指导别人,而仅仅是罗列事实,探求艺术发展的原因。而我们作为读者,能够直接从大师多年研究中所提炼的精华中汲取营养,却不能不说深受大师指导。

  因为书中的内容是丹纳授课时的讲稿,则目录即可看作讲稿的提纲,达十六页之多。我还是第一次见如此详尽的目录,仅仅将它读过一遍,都觉得受益匪浅,对艺术品的概念、对影响西方艺术发展的因素等等,在脑子里形成了一个大致的框架。

  丹纳认为影响艺术的因素很多,而最基本的是,艺术的种子只有在时代的土壤与精神气候的自然选择之下,才会孕育出富有时代个性的艺术之花。如在意大利文艺复兴时期,集中涌现出来的以达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等绝世艺术家为领袖的上百位风格相似的优秀的艺术家,以及各个阶层的、数量庞大的受众。文艺复兴时期的艺术并不是幸运与偶然的产物,而是因为一种在艺术上影响民族各阶层的奇妙才能。紧接着,他通过大量历史材料,来说明这种神奇的力量是如何影响着文艺复兴时期的绘画。十六世纪的意大利相较其他欧洲国家的动乱和野蛮,世态安稳并重视文化生活。生长在这片土壤下的人们的人生观与审美都得到了空前的提高。人们以与文人、艺术家交好为荣,风雅成为了最重要的社交方式之一。在这样的形势之下,艺术就在这最适合的土壤和环境中茁壮成长,开出最美丽的花朵。后面丹纳又以尼德兰的绘画、希腊的雕塑为例,同样通过大量历史实例,分析影响艺术品的因素及发展。

  作为教科书式的作品,本书内含大量丰富的材料和历史事例,经过傅雷的翻译,却并不会令人感到枯燥抽象,读起来还是很流畅的。本文作者基础较差对于许多艺术家和艺术品都不太熟悉,书后收录大量文字中涉及的有代表性的艺术作品插图,便于查阅,帮助读者理解书中内容。并且书中提到的艺术家的简介也按照名字在文后集中排列出来,能看出诚意满满,虽然介绍不甚详细,但对于学习艺术形成与发展过程来说影响不大。总体来说,这本浙江人民美术出版社的《艺术哲学》是一本有内容、有诚意、有颜值的经典之作,值得一读。

  记得高晓松在阿里巴巴年会上的一段演说:“科技和艺术是推动人类前进的车轮。”也许很多人不以为然,认为艺术没有那么重要,但我却很赞同这句话。在科技和艺术的共同作用下,才能不断满足人类的物质需求与对精神世界的追求。艺术在人类的发展史中的确占有重要的地位,正如高所说,“艺术负责不停地创造新的梦想,科技负责把每一个梦想变成现实。”艺术如此重要,读懂艺术对于我们来讲也是一件非常有意义的事情,这本《艺术哲学》对读者的帮助还是很大的。至少我懂得在欣赏艺术作品的时候首先结合作者的生平和大环境历史,从不同的角度分析,用批判的眼光去看。

  《艺术哲学》读后感(四):读《艺术哲学》,跟着丹纳学艺术

  读《艺术哲学》,我是鼓足勇气的。因为,我实在是不通艺术,所了解的艺术家限于历史课本那几位大名鼎鼎的人物,无从从绘画、雕塑等角度直观感知米开朗琪罗、拉斐尔、梵高等人的艺术成就的杰出,更遑论区分各种艺术流派及主要特点。 这本丹纳的《艺术哲学》对我这个“艺术盲”是个通俗版的“科普”。丹纳通晓多国文字,是史学家、评论家,观点犀利独到,偏巧这本《艺术哲学》属于讲义,通俗易懂、深入浅出,且并不是就艺术说艺术,而是置于大时代背景下详加论述,让人觉得真是鸿篇巨制。光看《艺术哲学》这本书一版再版就可窥知一二。翻译是大名鼎鼎的翻译家傅雷,傅雷其名无论是选择翻译的书籍还是翻译水准就是“品质保证”,代表着翻译既精准又具有美感,每每读至书中文才斐然的语句我总心潮澎拜。 说实在的,傅雷的译者序就已将丹纳的书中的观点和利弊得失说的透彻明晰。总论部分提纲挈领,丹纳对艺术下了定义,强调艺术是一种“模仿”,它的目的是对某种特征的突出。他主张关注艺术与艺术家本身、艺术流派和艺术所处的时代背景,特别强调艺术作品与时代的关联性。在他笔下,如果一个时代欢欣鼓舞,那么一众艺术家的艺术作品也必是快乐的,反之则艺术作品也灰暗悲伤。他拿四个历史时期为例,希腊城邦时期崇尚体格的健壮使得裸体雕塑成为有代表性的艺术;中古时期的腐朽和老百姓的凄苦生活使得哥特式建筑呈现出晦暗不明的特色;十七世纪宫廷文化让文学作品带着精致和优雅;现代化让音乐非常繁荣。 丹纳用他总论中的方法论,着重分析了三个时期的艺术流派:意大利绘画、尼德兰绘画和希腊雕塑。在他的书中,15、16世纪的意大利与现代德国、英国、法国的区别,以及拉丁民族熏陶、社会无序的追求状态下导致绘画推崇裸体和力量跃然纸上。而尼德兰北方和南方在不同历史背景下艺术流派发生的分裂,和它最初受意大利风潮影响,后民族性占上风,更侧重实际、内容的艺术风格让人印象深刻。至于希腊的地貌和种族特征,孕育了雕塑的美好,在上述一系列例证下。更是水到渠成、不言自明。

  这本《艺术哲学》的精妙之处,我个人认为有三点:一是开篇的目次,像是缩微版的读书笔记,便于抓住丹纳观点的核心之处;二是文笔优雅,傅雷的翻译保留了散文的精致,读起来流畅而唯美,不像某些评论书籍晦涩难懂、欠缺美感;三是插画众多,有些遗憾的是插画附在后面,阅读会有些繁琐,比起后浪等出版书籍大成本排版稍显逊色。也许是因为《艺术哲学》比较小众,受众较少,所以个人认为还是有些遗憾。

  至于丹纳在书中的观点,自然因评价标准等学术上的分野,有的也值得商榷。他自己认为艺术的目的是突出主要特征,但在尼德兰绘画中,特别是北方画派中又描述为不那么重视特征,更注重整体和布局,似乎与这一观点也不尽相同。豆瓣中也有人认为他的观点不适用于中国艺术重意蕴。作为一个不是研究艺术的专业人士,我只能说这些观点我姑妄听之,有待进一步学习吧。

  真的是一本非常精妙的书籍,丹纳的博古通今、傅雷等老一代翻译家的严谨治学,成就了这本书的美好。国庆节读这本书,在庸碌生活和苦涩情绪中,心情略有平复,算是给自己的一点“小确幸”吧。

  《艺术哲学》读后感(五):傅雷与“她”,相逢恨晚

  翻译哪位作家的作品,傅雷是有原则的。他曾在《翻译经验点滴》一书里说:“选择原作好比交朋友:有的人始终与我格格不入,那就不必勉强;有的人与我一见如故,甚至相见恨晚,但即使对一见如故的朋友,也非一朝一夕所能真切了解……”

  就文学作品,傅雷先生翻译最多、最好的是巴尔扎克和罗曼•罗兰;就艺术推介,但凡对此有点兴趣的,大概都知道傅雷的佳译《艺术哲学》,至今无人能出其右。丹纳的原作本就洋溢着饱满的热情,傅雷的斐然晓畅,让这部经典作品更添华彩。该书虽名“哲学”,实乃“一部有关艺术、历史及人类文化的巨著”。它的体例不同于如今通行的学术逻辑,更在乎实证、直觉和共情。

讲故事,绘声绘色地述说

  1828年4月21日,伊波利特·阿道尔夫·丹纳(Hippolyte Adolphe Taine) 出生在法国的一个律师家庭,从小博览群书,学业一帆风顺。1848年,他以第一名的成绩考进了巴黎高等师范学校。这是一所什么样的学校呢?罗曼•罗兰评价它是“人文主义修道院”,只要进入巴黎高等学校,就获得了在思想界生活的权利。毕业之后,丹纳开始了长达十三载的国外游历生活,遍访英国、比利时、荷兰、意大利、德国等国,与这些国家的文学艺术亲密接触。

  旅行是一笔财富。通过旅行,丹纳掌握了很多语种,不仅长于古希腊语、拉丁文,而且精通英文、德文、意大利文。从1864年起,丹纳应巴黎美术学校之聘,担任美术史讲座的讲师。《艺术哲学》就是他亲自编写的讲义,陆续成于1865至1869年。后来正式出版的《艺术哲学》分为五部分,即《艺术品的本质及其产生》《意大利文艺复兴时期的绘画》《尼德兰的绘画》《希腊的雕塑》和《艺术中的理想》。全书共计三十余万字,丹纳挥洒自如、侃谈畅言,尽展理论功底的深厚,以及对意大利、尼德兰、希腊艺术文化的熟悉。

  这部书起初的功能是讲义,以平易亲切为要旨,所以抛弃了枯燥严肃的学究模式,转而加强叙述的故事性。“他用被单拧成索子,从极高的墙上挂下来,遇到一个巡兵,巡兵看了切利尼满面杀气心中害怕,假装没有发觉。”这是我截取的丹纳描绘16世纪意大利雕塑家切利尼人生的一个片段。事实上,这段故事长达五六千字,几乎可算是切利尼自传《致命的百合花》的梗概了。丹纳是一位讲故事达人,通过他绘声绘色的讲述,我行我素、个性张扬的切利尼跃然纸上。类似的叙事效果同见于他对阿里斯托芬、达•芬奇、米开朗基罗和拉斐尔等人的描述。

  逸闻趣事如此之多,会不会淹没分析呢?

  展开切利尼的故事之前,丹纳说道:“我想把这些特性集中起来,让你们看到一个活生生的人物而非抽象的观念,历史上就有这样一个人……凡是促成意大利文艺复兴,一面为害社会一面产生艺术的要素,可以说被贝韦努托•切利尼概括尽了。”这段话里的“这些特性”指的是意大利风声鹤唳的政治局势,以及杰出人物在这种高度紧张的状态下激发出来的各种潜能。显然,丹纳并不企图把这些人物、事件戏剧化,而是让它们充当桥梁的角色,借此将读者引往他论述的实质内容。换言之,它们有助于提供论据、传达思想。这部著作中所有的故事都是以此为目的而精心选择的。

  说艺术,根植于民族土壤

  若欲分辨这种做法是否可取,需要仔细观察丹纳的叙述将会把我们引向何方。

  第二部分 《意大利文艺复兴时期的绘画》分成六章,第一章综述“意大利绘画的特征”;接着,丹纳说道,“按照我们的方法,现在需要认识产生作品的环境”,因此第二章就是对“基本形势”的分析,即考察意大利文艺复兴何以产生大批天才的要素;其余几章皆为“次要形势”,结合选取的代表人物的特质去挖掘意大利艺术的特色,比如上述的切利尼。所谓“按照我们的方法”,就是丹纳在第一部分里回答“艺术品的本质及其产生”所指出的:要了解一件艺术品,一个艺术家,一群艺术家,必须正确地设想他们所属的时代的精神和风俗概况。这是艺术品最后的解释,也是决定一切的基本原因。

  以此观之,“意大利文艺复兴和它的环境同时出现,绝非偶然的巧合,而的确是环境的酝酿、发展、成熟、腐化、瓦解,通过人事的扰攘动荡,通过个人的独创与无法预料的表现,决定艺术的酝酿、发展、成熟、腐化、瓦解”。丹纳把这种方法继续应用在他对尼德兰和希腊艺术的阐述之中。尼德兰的艺术之花与民族的生活相连,生根在民族性里面。按照植物的本性和后天的结构,经过树液的长期与深刻的酝酿,才开放出来。对于希腊人来说,表现人体是一种全民性的艺术,凸显风俗习惯与民族精神。因为种族的不同,艺术品位也不同,日耳曼民族更纯朴,拉丁人则更精致;因为自然环境的不同,意大利讴歌人体的力或美,尼德兰画家的笔端则大多是丑陋的现实折射的扭曲肉体;因为时代的不同,希腊雕塑显得端庄肃穆,而近代艺术却难以拥有如此纯净的气质。

  以上论述,构成了丹纳艺术哲学的核心,也奠定了他学术地位的“种族、时代、环境三要素说”,丹纳的三要素说有其历史渊源。19世纪是科学的世纪。自然科学认为世界上一切事物皆有规律可循。丹纳在授课中再三强调,“作品与环境必然完全相符”是一条普遍的规律,“不论什么时代,艺术品都是按照这条规律产生的”;19世纪是哲学的世纪。丹纳早年深受孔德实证主义哲学的影响,后来又常常从黑格尔的“绝对理念”出发研究美和艺术;19世纪是民族国家的世纪。现在很多历史学家都确认“民族国家”是19世纪的重大发明,民族主义意识的空前高涨让人们格外关注民族性,并倾向于将很多问题与之相系。每个国家的艺术必然根植于独特的民族土壤,丹纳比他人更清晰地认知了这一点。

  丹纳以大量的史实为依据,把种族、时代和环境三要素说发展成了一个缜密又完整的体系,就此夯实了历史文化学派的地基。1866年,左拉将丹纳喻作文学和艺术领域的“电报和铁路”,可见丹纳的重要性,他的影响力跨越了国界,丹麦的勃兰兑斯、意大利的桑克蒂斯和西班牙的阿左林等人都是他的后继者。他的影响力也持续到了20世纪。我们知道,20世纪上半叶,王国维、鲁迅、蔡元培等中国学人大力倡导“美术”,希望在中国掀起文艺复兴的运动。1913年,鲁迅先生在《拟播布美术意见书》中说道:“虽武功文教与时间同其灰灭,而赖有美术为其保存。”这就是肯定了艺术对历史文化的反馈与贡献。

  谈翻译,丹纳赠予傅雷的“玫瑰”

  傅雷在《翻译经验点滴》里还说过:“译事虽近舌人,要以艺术修养为根本;无敏感之心灵,无热烈之同 情,无适当之鉴赏能力,无相当之社会经验,无充分之常识(即所谓杂学),势难彻底理解原作;即或理解,亦未必能深切领悟。”人与书的邂逅,人与人的相惜,冥冥中总有一线牵连。一见如故,相见恨晚,不但朝夕不曾更改,了解之真切更步步加深,终至于将对方的思想与理念融入自己的骨里。傅先生对丹纳的深切领悟不仅见于他悉心精准的译作,更进一步以反哺的形式予世界以大美。

  20世纪初叶,中国赴欧攻读或者选修艺术史的人相当多,傅雷先生就是其中之一。想必就是在这段时间,丹纳进入他的视界。1931年,傅雷先生由法归返,受聘于上海美术专科学校,担任美术史课与法文课。傅雷授课的教材也是他自撰的讲稿,这就是后来时隔半个世纪方才付梓问世的 《世界美术名作二十讲》(以下简称《二十讲》)。

  《二十讲》 自序有言:“尝以为研究西洋美术,乃借触类旁通之功为创造中国新艺术之准备……”傅雷列举拉斐尔、莫里哀、陶潜、但丁,言其“形格势禁”,彼此“事理、环境、民族性之不容也”,“此研究西洋艺术所不可不知者一”。这个思想的源流,当取一瓢于丹纳无疑。细点《二十讲》之目录,大半阐述文艺复兴,尤对达•芬奇、米开朗基罗、拉斐尔投注了明显的偏好,或亦与《艺术哲学》的意趣有涉。

  展卷阅览《二十讲》,气息与《艺术哲学》相仿佛,笔触细腻,情感真挚,却又不尽相同。凡二十讲,虽以人物列题,绝不拘泥于一幅作品或一位艺术家,而是将之归于其产生的具体环境中加以分析,这就使得这本薄薄的册子显出宏阔的气象,涵盖了许多的社会、历史因素,意义更加丰富。傅雷点明《二十讲》之写作取向,曰:“亦有涉及时代与环境,明艺术发生之因果也,历史叙述,理论阐发,兼顾并重,示研究工作之重要也”,私以为,这或可看作傅雷推崇丹纳之最大缘由。

  这是丹纳赠予傅雷的“玫瑰”,而我们在读它们时总能嗅到余香。更妙的是,傅雷灵活地摘除了玫瑰上的刺。他避免了丹纳理论的机械化,不去深究普遍的规律性,不以绝对化的口吻凌人。审美的愉悦,还艺术以最可人的面貌。我闻到了“富有朝气的、快乐的、天真的、活生生的,像行云流水一般自由自在,像清冽的空气一般新鲜”(《傅雷家书》)的希腊式的古典主义味道。尽管具有不同的时代背景、民族个性或地方色彩,人们对于美发乎本心的感知,终究会让艺术成为人类共同的语言。

  《艺术哲学》读后感(六):掀起艺术的神秘面纱

  艺术对于大多数人来说很神秘,可能知道达·芬奇画过无数个鸡蛋,但不明白《最后的晚餐》有何奥妙,也不晓得《蒙娜丽莎》究竟美在哪里。你从各种眼花缭乱的美术展、雕塑展、摄影展中走马观花,心中似有所得,但又说不出道不明,然后只能总结为一个“好”字,最后沮丧地想想:艺术的门槛也太高了,看来我与艺术一辈子无缘了!

  其实,有一句俗话说得很好:艺术源自于生活,但高于生活。艺术就是结结实实的生活,只不过它犹抱琵琶半遮面,需要我们千呼万唤始出来。一本好书能帮我们掀起艺术的神秘面纱,但在市面上,古今中外的关于艺术史、艺术家传记、艺术通识的书籍鱼龙混在,其中惟有法国史学家兼评论家丹纳撰写的《艺术哲学》经久不衰,值得反复品读。

  《艺术哲学》是丹纳在巴黎美术学校讲课的讲稿汇集而成,中文译本是由我国著名的翻译家、教育家和评论家傅雷先生翻译,傅先生早年间留学巴黎学习艺术理论,后回国长期致力于翻译工作,由他翻译的《高老头》《约翰·克里斯朵夫》《老实人》脍炙人口,而经他手的《艺术哲学》,因翻译精准,很好地保留了丹纳讲授时洋溢在字里行间丰富的热情,问世之初即成为该书公认的权威译本。

  此书虽名“哲学”,但其实“这是一部有关艺术、历史及人类文化的巨著。(傅雷语)”丹纳精通希腊文、拉丁文、英文、德文、意大利文,也曾亲身游历英、比、意、德等诸国,他在分析意大利绘画、尼德兰绘画、希腊雕塑等艺术作品时,旁征博引,通过大量实例,让读者可以清晰地理解艺术。没有繁琐理论,不提什么主义,因为艺术和科学一样,都是理解和认识世界的方式,艺术只是一种容易被感受到的方式,艺术诉诸于感性,诉之于人的感官和情感。所以,丹纳讲述的艺术历史,“采用的不是一般教科书的形式,而是以渊博精深之见解指出艺术发展的主要潮流。(傅雷语)”

  丹纳在审视人类的艺术发展历史时,发现伟大的作品总是来自伟大的灵魂,产生于伟大的时代。他用科学的方法,从事实出发,抽丝剥茧,层层分析,从种族、环境、时代三个角度入手,来探究艺术发展的规律。如一粒种子只会在适宜的气候条件下生根发芽、茁壮成长,艺术家作品的成功不是孤立的,而是与他所处的时代环境、艺术流派和广大群众息息相关,艺术家只有适应环境才不会被淘汰,他的作品只有符合时代潮流才能得以流传。

  据此,丹纳建立了欣赏艺术作品应以艺术品表现事物特征的重要程度、有益程度、效果集中程度的三个维度,作为衡量艺术品价值的尺度。

  丹纳是在看过诸多艺术作品后才得此结论,但一般读者无法亲身前往世界各地观看各类精美的艺术品,颇为遗憾。但浙江人民美术出版社的这版《艺术哲学》,很贴心地根据章节目次配有精美插图104幅,与文字内容相得益彰,让读者能够真正地跨过艺术的门槛,走入艺术的殿堂。

  《艺术哲学》读后感(七):从俗世到高雅

  艺术虽非遗世独立般孤芳自赏,却总是脱俗而优雅的,它从具体到抽象,从繁缛到简洁, 既感性又理性,既低调又奢华。艺术常常给人不识庐山面目的神秘感,然而,它的脉搏却不是无从把握的。一切的艺术总归来源于活生生的现实,只要满怀热情地探询我们周遭的生活,总会寻觅到蛛丝马迹。法国史学家兼批评家丹纳的《艺术哲学》,以其敏锐的嗅觉、精准的审美、不竭的才思、饱满的热情,为我们指明了一条通向艺术之路。 当你读到丹纳那炽热如岩浆一样的文字时,对于艺术也应该由无动于衷到心有所动,惊诧于他文字的感染力。关于丹纳,他独具慧眼的老师曾预言他是“为思想而生活”的人。学生时代的丹纳文理兼擅,却选择专攻哲学。他精通多种语言,游历过意、德、英等国,《艺术哲学》是其应聘巴黎美术学校担任美术史讲座时的讲稿,我们从其文字的激情难抑便知端倪。除《艺术哲学》外,丹纳尚有《拉封丹及其寓言》、《现代法兰西的渊源》等作品问世。 而对于译者,我们也不能等闲视之。傅雷如雷贯耳的名声,大多是因为人们熟悉其《傅雷家书》的缘故,上个世纪该书出版时曾极为轰动,傅雷的惊人才华于此可见一斑。好友楼适夷对其评价极高:“傅雷的艺术造诣是极为深厚的,对古今中外的文学、绘画、音乐各个领域都有极渊博的知识。”画家黄苗子也说过,“他(指傅雷)非常爱他自己的文章,爱他所翻译的作家的作品,所以对他们非常认真。” 当艺术家与艺术家相遇,擦出耀眼的火花也就无可避免。由傅雷来翻译丹纳的《艺术哲学》,实在是再合适不过了。“懂你”,永远是这世间最美好的相遇。傅雷奉献给读者的是一部呕心沥血的译作,如同他的那部传世译著《约翰•克里斯朵夫》一样,紧紧抓住了读者的心扉。这部巨著开篇译文 “江声浩荡。” 区区四字,其高远的境界就不同凡响。 《艺术哲学》全书分为“艺术品的本质及其产生”、“意大利文艺复兴期的绘画”、“尼德兰的绘画”、“希腊的雕塑”和“艺术中的理想”五篇。丹纳从种族、时代及环境等三要素分析意大利绘画、尼德兰绘画及希腊雕塑等艺术作品,并从大众耳熟能详的艺术史撷取所需史实进行论证,从中探索艺术发展的规律。 众所周知,诗歌、雕塑、绘画、建筑和音乐是世间五大艺术。每种艺术都广布流派,光是绘画就往往令人眼花缭乱,印象派、野兽派、立体派、新艺术、表现主义等等,不下数十种,使得大众往往在艺术面前无所适从,望而却步。艺术仿佛脱离大众而高高在上,这难免不让人产生疏离感。可是艺术也并非是不食人间烟火,那么,如何理解艺术及艺术品,就成为横亘读者与其之间一道难以逾越的高墙。而有了丹纳的《艺术哲学》,你也能得其门而入。 丹纳认为:“艺术品的目的是表现某个主要的或突出的特征。”同时又说“艺术品必须是由许多互相联系的部分组成的一个总体,而各个部分的关系是经过有计划地改变的。”我们看世上那些伟大画家的作品无不如此,达芬奇的《蒙娜丽莎》突出的是人物的微笑,希腊雕塑《掷铁饼者》则着重在刻画人物的动作。 艺术品总是与其所处的时代紧密相关,并取决于时代精神和周围的风俗。意大利和尼德兰的绘画如此,希腊的雕塑也是如此。同时艺术品的创作是由具体的艺术家来完成的,艺术不分国界,但艺术家却有自己的祖国,艺术家隶属于一个特定的民族。意大利文艺复兴时代的绘画,是指十五世纪最后二十五年和十六世纪最初的三四十年。此时期人文主义思想的泛滥,使得艺术家注重以人体为主的绘画,而摒弃风景绘画。正如米开朗琪罗所说,“(田野、树木、工场)那些东西应当让才具较差的人作为消遣与补偿,因为艺术真正的对象是人体。”彻里尼也说,“绘画艺术的要点在于好好画出一个裸体的男人和女人。”举凡文艺复兴三巨匠的绘画和雕塑,莫不如此。同时,意大利境内没有一个统一的国家,而是城邦林立,为求自保,人人以强健体魄为傲,健康、健美、健全,成为时代所需,也为拉丁民族所崇尚。中世纪是基督教一统天下的时代,与其相呼应,艺术家的作品也大多以表现宗教体裁为主。由此可见,种族、时代与环境,是分析艺术品的必由之路。 丹纳提出艺术品表现事物特征的重要程度,有益程度,效果集中的程度,作为衡量艺术品价值的尺度。其中,特别值得注意的是特征的有益程度,因为他所谓有益的特征是指帮助个体与集体生存与发展的特征。“一切条件都相等的话,作品的精彩的程度取决于有益人体的特征表现的完美的程度。”丹纳如是说。 无庸讳言,丹纳的《艺术哲学》也并非完美。丹纳忽视社会基础等因素,只把注意力投向思想感情、道德宗教等上层建筑,不能不说是其显著的局限性。此外,他也选取于已有利的理论材料,而对其他抵触的材料不予理睬。但瑕不掩瑜,《艺术哲学》是一部难得的有关艺术史的通俗读物,它对于我们提高艺术修养和充实精神生活大有裨益。

  《艺术哲学》读后感(八):艺术发展,有迹可循

  文|轻禅

  了解艺术,似乎是一个循序渐进的过程。因一幅画而爱上,因一部经典的文学作品而喜欢,也可能因一件雕塑品而对艺术心生敬佩的,但若仅仅是喜欢、敬佩,大抵连艺术的门都没有走进去。谈及自己,在接触艺术的很多年里,我一直徘徊在艺术的门外,直到遇见丹纳的《艺术哲学》。

  《艺术哲学》是一部内容深厚的艺术史通论,严谨传神,同时又是一部通俗易懂的大众读物,在书中,丹纳用大众都能接受和理解的通俗的事例引入,一层层将读者引入艺术的殿堂,触及艺术的真谛。全书包括《艺术品的本质及其产生》《意大利文艺复兴期的绘画》《尼德兰的绘画》《希腊的雕塑》及《艺术中的理想》五编。其中,第一编,丹纳分析了艺术品的本质及其产生的环境;在后续三编中,丹纳借由意大利文艺复兴的绘画、尼德兰的绘画以及希腊的雕塑这三个时期典型的艺术作品对理论进行阐述;在第五编,丹纳从历史源远流长的角度分析未来艺术的发展可能,一切皆是有迹可循。

  艺术呈现在众人面前,有许多形式与流派,譬如不同的形式,绘画、音乐、雕塑、文学;不同的流派,文艺复兴风格、新古典风格、新印象画派、摄影流派、立体派等。这似乎不能理解,可艺术品的本质是什么?如此不同的形式与流派究竟如何产生的?这正是《艺术哲学》一书重点分析的内容。

  平时经常听到有人说,艺术源于生活,又高于生活,这话是不无道理的。丹纳通过分析艺术作品,得出这样一个结论,那就是艺术家有意改变对象的某一部分,其实是有意改变的,目标就是使对象的某一“主要特征”凸显,这就是艺术作品的基本特征。丹纳这样说:“艺术的目的就是要把这个特征表现得章明较著了;而艺术所以要担负这个任务,是因为现实不能胜任。”放眼一切上乘的艺术品,皆是如此,拉斐尔《迦拉丹》是如此,鲁本斯的《甘尔迈斯》亦是如此。

  纵观历史上的艺术作品,不同的时期展现的形式与风格也不尽相同,为何?这就谈及到艺术品的产生。丹纳认为一切艺术品都与物质文明与时代文明有关,而物质文明与时代文明的性质面貌又取决于种族、环境、时代三大因素。根于这三个原则,丹纳重点分析了意大利文艺复兴的绘画、尼德兰的绘画、希腊的雕塑。

  意大利文艺复兴时期是战乱的时代,城邦统治者整日操练军队,推崇的健康强壮的身体,以便他们打仗,这种环境催生出的艺术作品,是崇尚人体的,通过艺术品来展现天然的人体,健康、活泼、强壮的人体。那是一个神明的或是英雄的肉体世界,是一个卓越与完美的肉体世界。若是看尼德兰的绘画,又是另外一番情景。绘画的主题以宗教为主,色彩暗淡,但笔触美妙细腻,展现最多的不是人体,而是自然景观。如果分析其原因,那就是当时的自然环境潮湿不多变,而人在相对和谐稳定的文化环境中,开始追求精神上的满足。希腊雕塑的诞生也离不开历史、环境、时代等因素,在当时的希腊,希腊人认为娱乐神明最好的场面是展现娇艳俊美的肉体 ,表现健康和力量的是姿势,希腊人的思想感情又单纯,趣味也单纯,没有一件艺术比雕塑更需要单纯的气质,情感和趣味。由此,希腊雕塑所展现的风格端庄肃穆,也最为纯净。

  任何时代的艺术品都有时代的印记,反映时代特征,即便未来也是。丹纳在《艺术中的理想》一编重点分析这一规律,这也就意味着艺术的发展也是遵循规律的,这正是丹纳所分析的种族、环境、时代三大因素。国外的艺术作品如此,若是看中国的艺术作品何尝不是?就文学作品而言,唐诗宋词元曲人人皆知,到了明代,小品文渐渐受人欢迎,而到了近现代,白话文的出现也是时代环境所造就。

  《艺术中的理想》一编中,让人感触最深的是丹纳对文学作品的分析,任何经典的能够源远流长的文学作品,必然是反应某个时代特征的,这也为我创作中的我指引了方向。或许有人觉得不同的人喜欢不同的风格,但那只是表象,文学作品亦然,而深挖文学作品所展现的某种特征,才是创作的正确方向。从这个角度来说,艺术品的分级是很明显的,而区分的重点就是起特征。

  丹纳的《艺术哲学》,让我打开了艺术这扇大门,也明确了文学创作的正确方向。这本书作为艺术入门书籍,通俗易懂,十分合适,而这样的书籍,不仅能让人学会如何欣赏艺术品,更能够提升人的气质,一直都以为各个学科之间是互通的,不同的人也会体会到不同的感受。

  《艺术哲学》读后感(九):醉里挑灯看艺术哲学

  艺术,于我来说从来都是庄严神秘而又不失美感的一个存在,如果你和我一样对一切艺术都很感兴趣却又不懂怎么欣赏,那么你可以看看丹纳的《艺术哲学》这本书。

  我可能无法用语言描绘出书中带给我的艺术美感和它所要表达的意义所在,只能从中窥得一二。毕竟它不是一般轻松的书,需要反复阅读,慢慢摸索,细细品味。本书若能彻底消化,想必做人气度方面,理解与领会方面都会有所进步,而不仅仅是增加知识而已。

  厚厚的一本书令你望而生畏吗?

  晦涩难懂的词令你困惑吗?

  可是,它依旧散发着令人不可抵挡的诱惑和魅力。全书拿在手中沉甸甸的,内含大量精美图片,和书中内容遥相呼应。翻开书的那一瞬间,书香味充盈鼻尖,令人不由自主的一页页看下去。

  《艺术哲学》一书,是十九世纪法国史学家兼评论家伊波利特•阿道尔夫•丹纳所撰写的艺术批评经典著作。全书从种族、时代及环境等三大要素分析了意大利绘画、尼德兰绘画以及希腊雕塑等艺术作品,借此来探究艺术发展的规律。

  本书共分五大部分:

  一、艺术品的本质及其产生;

  二、意大利文艺复兴期的绘画;

  三、尼德兰的绘画;

  四、希腊的雕塑;

  五、艺术中的理想。

  英国有位批评家说:“丹纳的作品好比一幅图画,历史就是镶嵌这幅图画的框子。”因为这个缘故,他的《艺术哲学》同时就是一部艺术史。他不承认艺术欣赏是一个见仁见智的问题,没有客观而言。全书读来,使我对其有了更深层的认识,且一次次的复习与回顾,知识架构清晰且一贯,不得不赞一句,不愧既是长于分析的理论家,又是富于幻想的艺术家。他的行文条分缕析,明白晓畅,又充满形象,色彩富丽,全书唯一美中不足的是他忽略了最基本的一面——经济生活,他忽略了社会的基本动力是在于生产力与生产关系这一点。但我们也不能忘记,他确实在他的时代为批评这门科学推进了一大步。

  这本具有艺术、历史以及人类文化的巨著,读来使人爱不释手,获益良多。当你心中的艺术概念已成,一定要重拾这本书细细品读,研究学习,想来它会给你惊喜的。

  《艺术哲学》读后感(十):将艺术融于生活

  傅雷和老舍在同一年去世,还有许多文人,在文革的荼毒下,匆匆的了结了自己的生命,或许对他们来说苟且偷生的活着,还不如一了百了的死去。他们所遗留下的不仅仅是影响后人的文学作品,还有他们的铮铮傲骨。傅雷在1928年留学法国巴黎大学,开始系统性的学习艺术理论。老一辈的翻译家和现在的翻译员,相差巨大,他们知书达理,行文优美,通读古书,不单单是在翻译上有造诣,自身的文学修养也是万里挑一,如傅雷、乔治高、杨绛、许渊冲等人。傅雷对巴尔扎克等人的作品研究深有造诣,对艺术理论的学习更是苦心孤诣。

  傅雷翻译的《艺术哲学》几乎是艺术理论学习者的圣经,原作者丹纳是法国著名的文艺理论家和史学家,被称为“批评家心目中的拿破仑”,丹纳的艺术理论书籍《艺术哲学》一经出版,就引起了艺术界的狂热,对19世纪的文艺研究产生了深远的影响。他的作品深受德国哲学家黑格尔唯心主义的影响,即精神意识或理念为第一性,物质为第二性,物质依赖意识而存在。他还受法国哲学家孔德实证主义的影响,即强调感觉经验,排斥形而上学,学习才是认知的唯一途径。一切事物的产生,发展,演变,消灭,都有规律可循。

  早年,人民文学出版社出版了《艺术哲学》,通篇都是理论,阅读时颇有些丈二和尚摸不着头脑,似乎有些纸上谈兵。傅雷逝世五十周年,版权开放,各大出版社争相出版他的著作,但我最为喜爱的要属浙江人民美术出版社,它是以人民文学出版社的初版为基础,进行了一定的修改,加入了大量的插图,阅读时能够与实物图作一个详细的对比,不用仅仅靠臆想阅读文中对图画的描述。

  人们总觉得“艺术家”这个词是将他们与普通人区分开来,在生活中,所有的一切重要方面,艺术家与观众是完全相像的,同样的信仰,同样的种族,教育相同,语言也相同。物质文明与精神文明的性质与面貌都取决于种族,环境,时代三大因素。艺术品的本质是艺术家通过外在的介质传播自己的思想,思想不可能每时每刻都在发生变化,所以许多艺术家都会“抄袭自己”,他们用技巧、规划、成规来代替原来的作品。艺术的目的是表现事物的主要特征,表现事物的某个突出而显著的属性,某个重要观点,某种主要状态。在现实的世界里,特征不过居于主要的地位,但是在艺术的世界里,却要使特征支配一切。就比如达芬奇的《蒙娜丽莎的微笑》,除了表情是作者精心制作外,其他部分并没有可以强调细节,更有专家指出蒙娜丽莎的微笑中含有百分之八十三的高兴,百分之九的厌恶,百分之六的恐惧以及百分之二的愤怒。因此艺术品的本质在于把一个对象的基本特征,至少是重要的特征,表现得越占主导地位越好,越明显越好;艺术家为此特别删节那些遮盖特征的东西,挑出那些表明特征的东西,对于特征变质的部分都加以修正,对于特征消失的部分都加以改造。

  艺术的表现形式在时代的变化下也会随之发生翻天覆地的变化,比如在古希腊,公元前八百年左右,城邦正值兴起之时,人们为了获得更多的领土,就会向其他城邦发动战争,那时的人们没有枪炮,强健的肉体是战争胜利的关键,于是人们崇拜靓丽的颜值,结实的身躯,古希腊城尤甚,他们认为有完美肉体的人与神有着相同的地位,他们崇尚运动,从不羞耻于裸露的身体,美好的肉体让他们感到自豪,于是那时候的雕塑作品几乎都是裸体,肌肉线条突出,营造出了强有力的视觉体验。由此可见,时代在艺术的表现形式变化中一直占据着统治地位。

  在书中,丹纳阐述了中世纪对艺术的影响,宗教对艺术的影响,以及君主立宪对艺术的影响,他的著作若是放在他所处的年代,可以说是前无古人,没人能达到他这样的高度,若是放在21世纪来探究,还是有些许不足,西方的艺术与东方的艺术相差太大,阅读起来还颇有些困难,但若是对艺术层面有个大体的认知,这本书倒是个不二选择。

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